BÉSAME Y NO ME MATES (1966)

De todas las parodias del agente 007 que se perpetraron entre los años 60 y 70, también denominadas "blondsploitations", existe una en concreto que precisaba de mayor atención por nuestra parte.
Se trata de una bien curiosa co-producción Italo-Americana de título "Bésame y no me mates" (Operazione Paradiso), dirigida por el que fuera guionista de "Diabolik", Arduino Mauiri, aunque bajo la estrecha supervisión del norteamericano Henry Levin (que además se llevaría los honores a nivel internacional e incluso figuraría como único director del film).
Con un reparto de orden televisivo, presupuesto limitado y rodada prácticamente en su totalidad en Río de Janeiro, el film no sólo destaca por ofrecer los consabidos (y esperados) ingredientes oportunos en un film de espías, sino también por su increíble imaginación, humor, ritmo y personalidad, siendo, en opinión del que esto suscribe, seguramente la mejor parodia de James Bond que se haya hecho nunca (por encima incluso de la archiconocida superproducción "Casino Royale", de 1967).
En esta más que delirante cinta, seguiremos las andaduras del agente Kelly, un apuesto hombre de la CIA también conocido como 409, en su peligrosa cruzada contra el magnate David Ardonian y su terrible plan de esterilizar a todos los varones del planeta para así "controlar la superpoblación" (excepto él, claro).

El agente Kelly, siempre con la mira a punto

Kelly contará con la ayuda de la agente infiltrada del MI-6 Susan Fleming y su infalible arte de la seducción como principal arma, amén de su impredecible chófer y ése impecable Rolls Royce repleto de descacharrantes e imposibles gadgets.
Una más que lograda secuencia de persecución, rodada (por primera vez en el cine) en el llamativo Cristo de Corcovado, a 30 metros de altura, abre el film de manera impecable, mostrando pronto sus cartas y sabiendo equilibrar las dosis de humor y acción de manera tan elegante que recuerda, sin desmerecer, a los clásicos thrillers del genial Hitchcock.

Una sensacional escena desde el Cristo de Corcovado abre el film

Bellezones en camisón que no falten....y si además hay escorpiones en la cama, pues mejor.

El mad doctor que nos quiere esterilizar a todos

Mr. Ardonian espía a su harén como es debido

Poco a poco, y siempre acompañados de una banda sonora tan apropiada como se podía esperar, nos veremos inmersos en una historia de espías encantadora y sobre todo, muy entretenida, con mucho sentido del humor pero sin llegar nunca a la patochada, y con una galería memorable de personajes, trazados con inteligencia y mucha cinefilia. No sólo el personaje central es ciertamente acertado (un Mike Connors divertidísimo como impersonator de Dean Martin), sino que el resto del cast también funciona a la perfección, algo que de muy pocas películas se puede afirmar; desde la pareja británica formada por la irresistible Dorothy Provine (Susan) y el cómico Terry-Thomas (aquí como imprevisible chófer y al que veremos también en Diabolik), pasando por una galería de mujeres a cada cual más impresionante, hasta el "profidéntico" mad doctor encarnado por un inolvidable Raffaele Vallone y su peculiar secuaz gay Omar, todos forman un conjunto coral tan seductor como entrañable, de perfecta sintonía.
La misión de detener los locos planes de Ardonian son, probablemente, los minutos más logrados del film, pues pasamos del thriller de acción de inicio a la comedia, y luego al delirio de ciencia ficción a medida que avanzan los minutos. La idea de querer esterilizar a todos los varones del planeta con radiación sideral, gracias a la ayuda de una compañía china que le proporcionan un cohete, para así repoblarlo (él solito) con su harén de mujeres selectivamente escogidas, como bien suponéis, y mantenidas en una suerte de hibernación suspendida, resulta casi una genialidad. Toda una declaración de intenciones para una parodia demencial, lúcida y muy estimable.
Algunas partes en el meridiano del film, sobre todo lo relacionado con las secuencias de Carnaval (¿una imposición de la productora con vistas al turismo?), pueden empañar un resultado todavía más redondo, ralentizando la narración, desviando nuestra atención y atrabancando la fluidez cómica, llegando incluso a poder aburrir por momentos (no es mi caso, pero sería comprensible).

El simpático duelo entre espías. Una escena tan cómica, como sensual e irresistible

Ahí acabarás agente 409, devorado por peces hambrientos.

Su obsesión por los plátanos, un tema pendiente.

Sin embargo, secuencias como la del enfrentamiento entre los agentes mostrándose sus disparatados gadgets en pleno salón quedará para siempre en mi memoria. Tanto como las distintas y tan variadas virguerías tecnológicas que inundan el film o la caprichosa relación de nuestro agente con las bananas (aún le estoy dando vueltas).
Este irónico film-fumetto fantacientífico, conocido también como "Se tutte le donne del mondo..." (Si todas las mujeres del mundo...), no sólo es una parodia al uso del universo Bondiano, sino que incluso acabó resultando inspiradora para la mismísima saga 13 años después, pues "Moonraker", de 1979, está directamente influenciada por ella, con un guión bastante similar.
Considerada por Quentin Tarantino como una de sus películas favoritas, sigue maltratada a nivel de distribución a día de hoy, muy mal editada (en DVD piratas) e incomprensiblemente ninguneada. Una verdadera pena.

La modernísima guarida de Ardonian, toda una experiencia

Un harén en conserva para cuando sea Mr. Ardonian el único fértil en la Tierra. Un plan ingenioso y no tan loco.

En conclusión, una comedia de espías altamente satisfactoria, que no contó con el apoyo crítico, ni europeo ni americano en su momento, pero que debe reivindicarse con premura, pues sin duda se trata de un más que saludable ejercicio fílmico, sin pretensiones y buscando entretener, pero sin poner en entredicho la inteligencia del espectador.

Cartel promocional del film en los Estados Unidos.

GODZILLA CONTRA MECHAGODZILLA (1975)

Godzilla contra Mechagodzilla fue planteada como un intento serio de relanzar a Godzilla y devolverlo a su glorioso podio. Se aumentó el presupuesto, se recuperaron elementos sórdidos y más adultos y, milagros del mundo del cine, se consiguió recuperar a Ishiro Honda para la dirección de su criatura y a Akira Ifukube para la banda sonora.
Honda ya declaró estar hastiado de la saga y más cuando su gran amigo, el mago de los efectos especiales Eiji Tsuburaya, murió habiendo comenzado el rodaje de La isla de los monstruos (1969), llevándose parte de la magia de la saga, por lo que su regreso es un motivo de alegría. Ifukube vuelve a crear sus magníficas bandas sonoras que lograrían que hasta Plan 9 from outer space (1957) se convirtiera en una obra maestra; en este caso con unas sinfonías aún más dramáticas y trágicas que en ocasiones anteriores.
Debido a la buena aceptación general de Cibergodzilla, máquina de destrucción (1974) donde parecía que la réplica robótica de Godzilla había conquistado el corazón de los seguidores, se decidió recuperar al mastodonte robótico para seguir destruyendo ciudades. Como veremos más adelante, si la anterior entrega emanaba aventura y diversión sin complejos, ésta va por el lado contrario, pero radicalmente.
No sé qué le pasaba por la mente a Ishiro Honda al enfrentarse a esta entrega, pero parece dominado por el pesimismo y la tragedia, como si el fantasma de la muerte de Tsuburaya aún le rondara bien cerca. El resultado fue una de las entregas más interesantes de la saga clásica de Godzilla.
Tras la misteriosa destrucción de un submarino, unos investigadores de la Interpol comienzan a buscar al desaparecido profesor Mafune, que 15 años atrás había declarado el hallazgo bajo el mar del monstruo Titanosaurio. Ahora trabaja para los alienígenas del tercer planeta del agujero negro, cuya ambición es conquistar el mundo con su ayuda y la de un Cibergodzilla reconstruido.
El problema principal de esta entrega es que es prácticamente un calco de la anterior (que ya era de por si repetitiva en ciertos esquemas); misma invasión comandada por los extraterrestres del tercer planeta (incluso con el mismo actor/personaje como líder de la sociedad alienígena), se sustituye a King Caesar por Titanosaurio y CiberGodzilla vuelve a ponerle las cosas difíciles a Godzilla.
En ese sentido, la trama general está hecha con desgana y con una insultante repetición, aunque como veremos se plantea como el reverso tenebroso de la anterior. Si bien esta entrega cobra personalidad precisamente por la trama humana, a opinión personal, de las más interesantes y rescatables de la saga gracias a un personaje en concreto, la cyborg Katsura. El alma del film se concentra en este personaje torturado de una chica antaño llena de vitalidad pero que tras un accidente mortal es revivida por los citados extraterrestres en forma de cyborg, recluida y torturada porque no puede reprimir emociones humanas como enamorarse del galán con pelazo que protagoniza la cinta.

- ¡¡¡Esos idiotas no volverán a reírse de mi!!! - Papá, tranquilo y tómate la medicación.

El magnífico flash-back donde Katsura es transformada en cyborg

Godzilla, esta vez, solo ante el peligro

- Tu corazón está podrido y seco...

El galán enamorado intentará sabotear el complot alienígena

Solucionado el entuerto, Godzilla se retira a por un merecido descanso

Gracias a Katsura podemos ver el primer y único topless de la saga (aunque sea un trozo de plástico con cables) dentro de un magnífico e inquietante flash-back donde los extraterrestres ataviados con batas moradas cual Jeremy Irons en Inseparables (1988), irrumpen en el laboratorio de Mafune y se llevan a su hija moribunda.
Hay cierta conexión decadente con el primer Godzilla de 1954, Mifune no deja de ser la continuación trasnochada y envejecida del profesor Serizawa (de hecho están interpretados por el mismo actor), y el final trágico y kamikaze por parte de Katsura conecta con el sacrificio final de Serizawa.
En este sentido, el drama humano está más conseguido de lo habitual, y es raro sentir que te interesen más los personajes que el enésimo enfrentamiento monstruoso. Aunque los extraterrestres malvados continúan protagonizando momentos risibles y encantadoramente naifs, como ese terrible momento del líder alienígena reprendiendo a latigazos a sus secuaces, una escena llena de morbo y sadomaso del espacio exterior.

La nueva incorporación al bestiario de la saga es Titanosaurio, un monstruo de carácter mucho más realista que anteriores batacazos imposibles como Galien o Megalon. Las apariciones del monstruo marino están resueltas con gran destreza, rodados con contrapicados y con un cielo real de fondo que remarca el enorme gigantismo de la bestia, fantástico.
Godzilla aparece tarde y se siente como un mero trámite de la historia, aunque esta vez sufre enfrentándose él solito a 2 monstruos duros de pelar, y a pesar de algunas llaves de kárate inexplicables, Godzilla se presenta de una manera más seria y solemne que ocasiones anteriores.
Godzilla contra Mechagodzilla es un film interesante, triste, pesimista y más adulto de lo acostumbrado (¡hay muertes y tiroteos!). Ishiro Honda parece que es y será el más indicado para dirigir a su criatura y se denota en cómo están plasmadas las escenas de destrucción, las perspectivas de los monstruos y ese tono trágico tan personal.
Esta entrega, a pesar de estrenarse a bombo y platillo como el gran regreso triunfal de la criatura, fue el mayor fracaso de la saga con apenas 970.000 espectadores en Japón, dando carpetazo final a la serie clásica de Godzilla hasta 1984.
Por lo que la hermosa escena final, de un Godzilla adentrándose lenta y casi fantasmagóricamente en las aguas japonesas para tomar un merecido descanso, deja un poso lleno de melancolía y tristeza. El de una era que se acaba.

En EEUU se estrenó en cines como Terror of Mechagodzilla, pero no lo hizo hasta 1979 con un remontaje horripilante donde se eliminaban todas las escenas de violencia y desnudos, eso incluye el agradecido topless y para mayor horror, el suicidio de Katsura, por lo que el final se quedaba totalmente cojo. Un batiburrillo sin sentido.
Ishiro Honda nunca más volvería a la saga, de hecho abandonó la dirección de filmes y volvió a sus orígenes de ayudante de dirección junto a su gran amigo Akira Kurosawa, y trabajó en Kagemusha (1980), Ran (1985) o Los sueños de Akira Kurosawa (1990), donde el propio Honda dirigió el episodio de "El Monte Fuji en llamas", volviendo a su tema predilecto, el apocalipsis atómico.

CIBERGODZILLA, MÁQUINA DE DESTRUCCIÓN (1974)

Tras la debacle artística y crítica que supuso el último film de la saga Godzilla, la delirante Gorgo y Supermán se citan en Tokyo (1973), parece que los productores de Toho se pensaron mejor las cosas antes de abordar la nueva entrega de nuestro saurio radiactivo. El siguiente film iba a tener una factura mínimamente más cuidada que el desastre de los anteriores filmes, muy pobres y repletos de stock shots de otras entregas.
Jun Fukuda volvió a ponerse tras la cámara (por última vez en la saga) para abordar la clásica Cibergodzilla, máquina de destrucción, y podemos ver varios cambios significativos y de agradecer para el respetable.
En el film, una profecía ancestral de Okinawa predice que un monstruo aparecerá para destruir el mundo, pero será detenido por dos criaturas colosales. El hallazgo de una estatua en las cavernas de Okinawa indican que se trata de la llave para llamar a King Caesar, el guardián de la zona, y el único que puede detener la oleada de destrucción provocada por CiberGodzilla, un ser cibernético construido por la raza alienígena del tercer planeta del Agujero Negro, que ha llegado a la Tierra con pretensiones de invadirla.

Fukuda parece recoger lo mejor que dejó en Los monstruos del mar (1966), ese ambiente aventurero en donde no paran de sucederles cosas a los personajes mientras van de un lado para otro enfrentándose a mil eventualidades. En este caso la historia se contagia del espíritu de los films de espionaje y de James Bond (con un agente secreto muy cool y lleno de recursos) con las manidas invasiones extraterrestres, y se agradece enormemente que el tufillo infantil se vea reducido considerablemente, presentando ciertos momentos violentos y de carácter más adulto que entregas anteriores.
La idea de Cibergodzilla, la de presentar una réplica cibernética y malvada de Godzilla, provista de múltiples gadgets y prácticamente invencible, es tan atractiva que no entiendo cómo tardaron tanto en presentar tal idea en la saga. Recordemos que en el Japón de 1974 (y en el resto del mundo) los robots, gracias a Mazinger Z, estaban más de moda que nunca, así que por qué no aprovechar el tirón cibernético para atraer más espectadores de cara a la ya moribunda saga.

Godzilla vs Godzilla

¿2 Godzillas? Aqui hay algo que no cuadra

La verdad se descubre y Cibergodzilla se las hace pasar canutas al saurio radiactivo

Detrás de todo están los extraterrestres de turno, parece que les gusta el planeta Tierra por los puros

Aunque los efectos especiales están algo más cuidados y se le intenta dar un aire serio a este nuevo Godzilla (¡¡vuelve alguna que otra escena de destrucción masiva!!), las batallas continúan siendo un festival del humor incontrolable, pero pese a esto, son muy entretenidas de ver por la inusual violencia que desprenden. Cibergodzilla destroza a Anguirus partiéndole la mandíbula y brotando de ella chorros incontrolables de sangre (a lo King Kong con el T-Rex) y en un momento glorioso de la batalla final, el cuello de Godzilla revienta a borbotones cual film de samuráis de la época tras el impacto de cohetes y rayos multicolores por parte de su réplica robótica.
Resulta bien llamativa la forma en la que está rodada la batalla final a 3 con una dolly o zooms constantes y realizando movimientos de cámara más propios del spaguetti western que de un kaiju.

King Caesar le echará una mano a Godzilla

Se agradece, aunque sea de forma torpe, la recuperación de un tema clásico como es el enfrentamiento entre lo tecnológico y moderno, contra lo tradicional representado en la criatura llamada King Caesar, un ser que parece recuperar lo mejor de Mothra con una rebuscada profecía de Okinawa, sacerdotisas y cánticos varios; aunque el monstruo, con su look de caniche trasnochado, resulte más risible que otra cosa.
Se agradece sobremanera pequeñas sorpresas argumentales como que un moribundo Godzilla recoja energía de los rayos de una tormenta y consiga imantarse, lo que será un arma inesperada para Cibergodzilla y los extraterrestres (¡¡pero bueno, ¿ahora qué pasa?!!, exclama el villano de turno).
Hablando de los extraterrestres de este film, no dejan de ser los aliens de cuarta de cualquier producción similar, con trajes de aluminio y cascos estrafalarios gritando a los cuatro vientos lo malvados que son, pero tienen la suficiente personalidad como para prestarles atención, además cuando mueren se les cae su cara humana y resultan ser...¡¡¡simios!!! (y bastante calcados a los de El planeta de los simios (1968), si es que más no se puede pedir).

La sacerdotisa de rigor cantará durantes unos largos minutos

Tranquilos que hay rayos mortíferos para todos

Godzilla acaba hecho un colador

Tramas de espionaje, extraterrestres estrafalarios, investigación sin fin, una profecía milenaria, un científico imposible con una pipa de adamantium multiusos (la hizo un día que se aburría, según él), el clon robótico de Godzilla, monstruos defendiendo la tierra... Todo el conjunto hace que sus 80 minutos se pasen en un suspiro, resultando ser una de las entregas más divertidas y disfrutables en mucho tiempo, aunque no logre quitarse la etiqueta de Serie "casi" Z. Además, la banda sonora de Masaru Sato, en esta ocasión, logra ser gloriosa (más setentera imposible).
El film resultó tener una tímida recaudación en taquilla respecto a la anterior entrega, consiguiendo que 1,33 millones de espectadores acudieran a verla, si bien causó una buena aceptación general.
Sólo diré una cosa más: era una de mis películas favoritas cuando tenía 10 años.

MODESTY BLAISE, SUPERAGENTE FEMENINO (1966)

No sólo Italia adaptó sus tiras cómicas nacionales a la gran pantalla durante la segunda mitad de la década de los 60. También otros países europeos se apuntaron oportunamente a esa intensa aunque efímera fiebre y así comenzaron a aflorar, siempre al socaire del film que lo originó todo, "La Máscara de Kriminal", varios proyectos de distintas pretensiones pero de muy similar naturaleza.
La delirante trilogía del "Killing" (exploits turcos de la citada Kriminal), la pretenciosa "Mr. Freedom" en Francia, algunas co-producciones italianas más rebuscadas como "Lo Scoiattolo", "Mister-X" o "Lucky, el intrépido" (de nuestro incansable Jesús Franco), o la más famosa de todas, "Barbarella", acuerdo de producción entre Italia y Francia, son sólo un ejemplo de esta pasajera, pero muy estimable moda pop en el cine.
Se consolidaba pues la nueva figura del anti-héroe amoral y nihilista (y enmascarado a ratos) que va en contra del sistema gubernamental y que, por lo general, persigue diamantes junto a su(s) amante(s) enfrentándose además a crueles y excéntricos criminales.
De entre todas esas producciones no italianas hay un caso bien singular; el primero procedente del Reino Unido, "Modesty Blaise, superagente femenino", y obra (por encargo) del exiliado y reconocido Joseph Losey (1909-1984), autor del clásico "El Sirviente", que adaptaba la tira cómica homónima de Peter O'Donnell y Jim Holdaway estrenada en 1963.

Modesty, que no le faltan ingresos precisamente, sólo se mueve por el "placer" del trabajo...

Pese al esbozo de guión que creó O'Donnell en 1965, el film sufrió tantos retoques que poco tiene que ver con la versión original. Eso, junto con la falta de entusiasmo por parte del director, dio como resultado un batiburrillo anodino, interminable y confuso que, pese a optar (inexplicablemente) a la Palma de Oro de Cannes en 1966, no merecería un lugar de honor dentro del género en cuestión.
En el apartado argumental, tenemos a la seductora espía Modesty Blaise (encarnada por la atractiva italiana Monica Vitti), que acudirá a la llamada del gobierno británico para tratar de arruinar los planes de Gabriel, un amanerado y rico criminal (Dirk Bogarde), para así evitar que éste se adjudique unos diamantes de valor incalculable.

Psicodelia y estilo pop sesentero, ¿irresistible?

Un ejemplo de plano de "autor" por parte de un desmotivado Losey

Bogarde, un villano inolvidable

Siempre acompañada de su leal compañero Willie Garvin (nada menos que un Terence Stamp en plan seductor), nuestra glotona espía paseará su palmito y sus modelitos de aquí para allá haciendo de todo un poco, desde seducir al personal a vergonzosas luchas de sofá.
Rodada entre Ámsterdam, Nápoles y Sicilia, el film presenta unos decorados de lo más psicodélicos, una puesta en escena de cómic (con planos "de autor" que chirrían más que suman) y unas localizaciones, eso sí es de ley reconocerlo, estupendas, amén de unos actores de primer orden que elevan el producto del despropósito absoluto.
Si bien el film pretendía ser un spoof de las películas de James Bond, lo cierto es que únicamente lo logra en determinados instantes, demasiado pocos de hecho, siendo el resto del metraje una comedia sin gracia ni ritmo. El ir y venir de personajes de un lado para otro, con una excesiva carga de diálogos, poquísimo rigor cultural y con las clásicas y estereotipadas escenas de este tipo de producciones (véase: persecuciones "peligrosas" de coches, armas nucleares, un buen puñado de acólitos imbéciles y torpes a los que eliminar sin pestañear, glamour de chichinabo y un par de affairs edulcorados, etc etc..), convierten a esta especie de eurospy derivado de un cómic, en un film sin mayor interés.

Fantástica captura de un fotograma del film en tonos sepia. Bogarde con Vitti.

Escena del rodaje con Terence Stamp. La magia del cine.

Portada del cómic en España

Tan sólo la destacable actuación de Bogarde como villano gay, su sintonía pegadiza y un discreto pero apreciable desfile de encantos femeninos, más su propia esencia de cómic hecho película, hacen de "Modesty Blaise, superagente femenino" un film moderadamente singular, muy irregular y amorfo pero de algún modo encantador, aunque imagino que sólo para el cinéfilo o amante de los cómics, que verá en su conjunción de responsables e idea un caso de lo más insólito.

Travolta leyendo a Blaise en Pulp Fiction

La tira cómica original se editó en España en 1974, y los fascículos encuadernados posteriormente en dos únicos tomos tuvieron la particularidad de tener a Monica Vitti en su portada. Curiosamente, siempre que una colección de ‘Modesty Blaise’ se ha publicado en nuestro país, paralelamente se han publicado una colección de formato idéntico de James Bond.
Existen además otras dos versiones cinematográficas de la espía. Un episodio piloto de 1982 que no acabó de cuajar en Estados Unidos, y "Mi nombre es Modesty: una aventura de Modesty Blaise", un film Direct2Video de 2004 del director de "Hostel 3" y que, según parece, se acercaba más a la espía cruel y despiadada del original de base.
Tanto es así, que el propio Tarantino, fan del cómic y que lleva años queriendo adaptar dicho personaje, intervino en tareas de producción. Además, ¿quién no recuerda a Vincent Vega en Pulp Fiction leyendo en el váter antes de ser masacrado?. Pues fijaos bien en su elección. Nada menos que nuestra comentada señorita Blaise.

IL MOSTRO DI VENEZIA (1965)

Junto a otros estrenos cinematográficos de distinta índole y con clara influencia de los fumetto, como ya vimos en el segmento central del apreciable proyecto coral "Thrilling" o la peculiarísima "Il boia Scarlatto", en el año 1965 también vieron la luz películas de menor calado, pequeñas pero no por ello del todo irrelevantes, como es el caso del film que abordamos a continuación, "Il mostro di Venezia".
Estamos de nuevo ante una rareza de híbrida comunión, muy habitual en el horror italiano de los sesenta, y que acude sin rubor alguno a beber de distintas fuentes de inspiración; desde el Krimi germano al fantasma de la ópera (de moda por la adaptación de Fisher), pasando por el naciente y próspero giallo, la más descarada y estomagante propaganda turística, e incluso acercándose, aunque sin demasiado tino, al mismísimo expresionismo alemán.
La laberíntica ciudad de Venecia es el telón de fondo perfecto para esta peculiar obra de siniestro romanticismo, donde un perturbado sexual (mitad buzo-mitad "Skeletor"), tras ahogar a guapas jovencitas en sus canales, las conserva como estatuas dentro de su personal mausoleo subterráneo, previa administración de un suero secreto de su creación. Todo para poder admirar esas belleza intactas y así salvaguardar su hermosa apariencia para siempre.
Tan sólo el apuesto Andrea, un periodista local, se percata del modus operandi que existe entre esas extrañas desapariciones, ya que en palabras de la desconfiada y negligente policía veneciana:
- Su historia de un "monstruo" en los canales de la ciudad estaría mejor en los fumetti.

El susodicho asesino, admirando la belleza eterna de una de sus víctimas

Un empleado del hotel espiando a sus huéspedes (sólo a las bonitas, claro)

Rodada en blanco y negro con el propósito de impregnar de atmósfera las callejuelas y catacumbas venecianas, sin duda hubiese necesitado de un mayor talento al timón del proyecto, pues el inaudito Dino Tavella (1920-1969), un cineasta totalmente desconocido y prematuramente desaparecido que apenas aportó un par de films, no consiguió plasmar adecuadamente, escogiendo por lo común, planos sin demasiada creatividad (salvo un par de encuadres casi memorables).
Las referencias y estereotipos del fumetto en este caso son más que evidentes; desde el asesino principal, una suerte de fraile con una calavera como máscara y con unas líneas de diálogo más propias de un cómic que de un guión de cine, pasando por la galería de secundarios (desfiles de galanes con gabardina, un odioso grupo de hermosas turistas mentecatas o esos confidentes del canal responsables del escasísimo toque humorístico al entuerto), y sobre todo de escenarios, todos resultado directo de las viñetas, como el club de jazz nocturno con un siniestro imitador de Elvis Presley, las catacumbas o los infinitos pasadizos medio iluminados con sus juegos de sombras.

Una inesperada aparición, un Elvis Presley pasado de rímel

El vetusto laboratorio deja mucho que desear

Lástima que la historia no sepa aprovechar esos ingredientes adecuadamente y se estanque varias veces en zonas menos fértiles, como su inexplicable afán turístico, góndola allí, góndola allá, mostrándonos el lugar casi al detalle, ¡como si a una ciudad como Venecia le hiciera falta!... o tratando de dibujar, fallidamente, la improbable y machista relación de Andrea con Maureen, la inaguantable turista de turno.
Pese al desatino general, "Il mostro di Venezia" (el monstruo de Venecia) también tiene puntos decididamente atractivos, pues ofrece una involuntaria ventana a la cultura pop de la época en Italia, inventa y/u origina un asesino enmascarado "en el presente" dentro de un pseudo-giallo, apunta aspectos vouyeurs con algún que otro encuadre picantón y recurre a un recurso de puesta en escena muy divertido directamente del universo de las viñetas: congelar el fotograma de las víctimas en su primera aparición en pantalla.

Una bella colección de jovencitas para el deleite del perturbado enmascarado

Un asesino con retorcidas y macabras intenciones

No podía pasar por alto pues esta lúgubre propuesta, de bajo presupuesto, personajes imposibles además de muy mal interpretados (en especial el estudioso barbudo) y narrativa predecible, que sin embargo está lejos de ser del todo un descalabro, ya sea por la tan sugerente idea de un maníaco que colecciona adolescentes embalsamadas bajo los canales de Venecia o por el mero hecho de ser lo más cercano a que un fumetti de la época, provocador y tentador, se convierta en una película.
"The Embalmer", como se le conoció internacionalmente, no será un film de referencia ni apenas reivindicable, pero sí contiene aspectos a redescubrir, y aunque no se plasmase en su momento con la mejor de las fortunas, puede sorprender gratamente al seguidor de este tipo de historias, en especial si está familiarizado con el maravilloso mundo del fumetto nero.

Un primer plano del monstruo de Venecia.